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Lunedì, 9 dicembre 2019
Luca Pizzolitto - Il tempo fertile della solitudine -
Campanotto Editore, 2018
Classe 1980, Luca Pizzolitto vive a Torino dove lavora come educatore
professionale, alcuni suoi testi sono apparsi sulla rivista “Tratti”,
Mobydick Editore, e su blog e siti letterari. Tra le sue pubblicazioni di
poesia La terra dei cani (Thauma Edizioni, 2012), Ogni gesto produce rumore (per la Fondazione Mario Luzi Editore,
2014), Una disperata tenerezza (Ladolfi, 2014),In disabitate lontananze (Ladolfi Editore, 2015), La nuda vita (Transeuropa, 2016).
L'attenzione critica alle opere precedenti Il tempo fertile della solitudine si è focalizzata su un
accostamento di termini chiave, l’immobilità e il silenzio. Eccellente in
questo senso l’ingresso a In disabitate lontananze (Giuliano
Ladolfi editore) a firma di Bianca Sorrentino che intravede nei versi di
Pizzolitto “Una danza immobile e muta sull’orlo della solitudine […] nei
suoi versi canta un eterno pas de deux tra due amanti senza volto
[…]” ed accenna a quanto diremo in seguito “Fino a quando quel desiderio
non troverà compimento, l’immobilità diverrà un’occasione per custodirlo
(Io resto qui, / sulla sponda dei sogni)”.
Sebbene siano ancora presenti tutte le istanze portanti, nell’ultimo libro
di Pizzolitto si aggiunge un punto nevralgico, non definitivo, che produce
però una certa dinamicità: il desiderio dell’incontro con l’Altro. La
contemplazione estatica come esperienza di un sentimento panico trova
nell’esergo la sua compiutezza e allo stesso tempo la traccia di un
movimento originario; di fatto ad una prima lettura potremmo erroneamente
ipotizzare che il libro non sia altro che una declinazione in versi del
brano di Christian Bobin: “Tacere: il proseguire in solitudine, lungi dal
tracciare una chiusura, apre la sola e durevole e reale via di accesso agli
altri, all'alterità che è in noi e che è negli altri come l'ombra portata
di un astro, solare, benevolo”. Di momenti analoghi è alluvionata l’intera
silloge: “E ancora cerco in te \ la redenzione a questo esilio”. Questo
ritorno peculiare dall’esilio ci suggerisce un’aspirazione all’alterità, un
tentennamento nell’oscillazione tra immobilità e silenzio. È oltre questo
livello interpretativo però che il messaggio poetico si rivela: il
desiderio entra in questa falla dilatando il silenzio, rendendolo teso
verso la voce.
E’ nella catena significante che l’io, pur stabilendo rapporti con il
proprio simile, ritrova la verità del suo discorso nell’Altro, che non è
solo l’Altro della parola, ma è anche l’Altro del linguaggio (Antonio Di
Caccia) ¹
“L’Altro del linguaggio” è precisamente il grande accadimento della poesia.
Per questo richiede un raccoglimento primigenio, affinché la contemplazione
concentri l’insistenza dello sguardo verso ciò che è “fertile” e raggiunga
il suo apice nell’estasi. Tuttavia, come accennavamo inizialmente, il
lavoro che compie Pizzolitto non rimane sospeso in un luogo metafisico,
incastrato in un’idea, ma si incarna nel linguaggio agente, nell’ “Altro
del linguaggio”. Nei versi straordinari della poesia Pra Dmill
troviamo l’emblema di questo movimento: l’esilio compie una torsione, la
lontananza è perché si deve tornare, perché si compia “questo esistere di
ora / il mio ritorno a casa.”.
Nondimeno la cautela con la quale l’autore tenta di avvicinarsi ci
suggerisce che non siamo ad un arrivo (Qui ho vissuto eppure / non sono mai
stato / da me sono partito e / in questo niente ritorno / in un silenzio
stellato / e trafitto, sempre troppo /lontano da me.), che qualcosa si è
mosso ma con lentezza e che a volte sopraggiunge una debolezza inattesa,
segno della nostra fragilità umana. Da un punto di vista puramente formale
la cifra stilistica prediletta è il verso breve, non ci sono altre
aspirazioni retoriche in evidenza; nella brevità però si avverte l’urgenza
di un altro movimento, dall’esserci immobile della contemplazione alla
desiderante liberazione. Il che a ragion veduta ci spiega una certa
insistenza sul sistema filosofico che Pizzolitto ha
elaborato in versi e che gli permette di avere un punto fermo dal quale
ripartire, un breve assetto prima di spiccare il volo. (fabio prestifilippo)
Continua a leggere "Luca Pizzolitto - Il tempo fertile della solitudine, nota di Fabio Prestifilippo"
Mercoledì, 4 dicembre 2019
 Francesca Marica - Concordanze e approssimazioni - Il Leggio
Libreria Editrice, 2019
Concordanze e approssimazioni. Qualcosa è sovrapponibile, qualcosa ci si
avvicina. Sembra una buona definizione, tra le migliaia, della poesia (e
del lettore, inevitabilmente). Poesia, che è forma di descrizione, ma anche
di reticenza, o una manifestazione alta del silenzio, di ciò che comunque
si vuole che rimanga segreto, dicendo qualcosa che ci si approssima. Da
questo punto di vista, che è un punto di vista poetico, ho trovato questo
libro di Francesca delicatamente equilibrato. Perché in realtà non vi è in
esso niente che dissimuli, non dissimula ad esempio un costante elemento
tragico, che non ha niente a che fare con un troppo diffuso piagnisteo
esistenziale, ma che riguarda una diuturna elaborazione di elementi
dolorosi, siano essi direttamente vissuti oppure frutto di una
consapevolezza o una capacità di percezione dell'esposizione della vita -
anche in certi dettagli o "minute acrobazie", ci torneremo - al dolore; non
dissimula, di questa percezione, né i vuoti, la parte di nulla incolmabile,
né i silenzi, quando il poeta non può che sopperire con le parole di cui
dispone, riempiendoli in qualche modo ("riparo lo spazio con la calma della
parola", scrive) o dilatarli; non dissimula l'idea che l'elaborazione del
lutto, anche metaforico, o dell'assenza, non può essere artisticamente
feconda se la separi da quel quid anche "gioioso", anche casuale o
destinale che pertiene anch'esso alla vita e che ha bisogno di essere
accolto con equivalente coraggio, magari "ridendo dei disordini del caso";
non dissimula lo sforzo che ci vuole, anzi il lavoro che si fa con quelle
parole ma prima ancora con una "decisione" salomonica di accoglimento o
rifiuto nei confronti dei motivi ispirativi che si hanno, e del pudore che
se ne prova, un lavoro di cui nei testi c'è evidenza, l'evidenza di una
scrittura abilmente "sottrattiva"; non dissimula la necessità, forse
l'obbligo, di tenere a bada le emergenze liriche che talvolta la stessa
dolorosa materia poetica spinge fuori e che rischiano di condurre al
compianto o all'elegia. Approssimarsi significa soprattutto, in fondo,
portarsi progressivamente ad una distanza che permette di mettere
a fuoco senza abbacinarsi con l'inutile, e anche per la scrittura, come per
l'occhio, è quasi una questione di fisica (per la distanza e altre
cose qui pertinenti rimando volentieri a quanto scrissi anni fa su Poesia
2.0 - v.
QUI
), cioè di una giusta prospettiva dello sguardo (un esempio: quel
precipitare di molti testi in un corsivo, finale o interno, che mi pare
fissi un punto focale, sia esso una domanda o una asserzione). Questa
prospettiva finisce per affinare in maniera egregia un vecchio arnese, un
fardello della tradizione poetica italiana, quella indeterminatezza del
dettato che ha attraversato gran parte del Novecento tra crepuscolari,
decadenti e oltre, quel tenersi sulle generali che in genere mi irrita
quando tende a mordersi la coda. Come nota giustamente Marco Sonzogni nella
prefazione (riferendosi a versi come "Cominciava veramente quando, / sempre
più veloce, veniva il tempo / etc."), "non importa alla fine dei conti e
delle cicatrici, chi o cosa cominciava. Ma conta, è decisiva, la volontà di
farsi trovare pronti anche quando le parole non dovessero più esserci". Ha
ragione, sì, a parte il tono eroico della cosa. Ma solo perché, nell'ordine
di quella prospettiva che dicevo, poi le parole ci sono, tendono a
catalizzarsi: dapprima, nello stesso testo, Francesca si aggancia ad
elementi oggettuali/simbolici (film muti, gambe, periferia, porti sepolti
[!], strade e soprattutto quel foglio bianco metaforico/metapoetico),
insomma la realtà esiste, ci dice, vi siamo immersi, non stiamo parlando di
sogni; e poi, come rialzando la testa (e quindi lo sguardo) aggiunge:
"Serve un gesto di molta precisione / per aiutarsi a crescere ancora";
chiude il corsivo "focale": " Gettarsi a terra è appena l'inizio della parola pace". Parola, si
intenda bene, non altro, definizione concettuale non escamotage
metapoetico. Del resto, rispondendo in calce al libro ad una domanda di
Gabriela Fantato riguardo a questa "notevole presenza della concretezza",
Marica ci dice "spesso la mia poesia nasce da un'immagine, da
un'intuizione, da un dettaglio. Ho bisogno di un elemento visivo e concreto
da cui partire". Dunque, a parte il meccanismo poietico comune a
moltissimi, poi è l'elemento focalizzante che conta, la matrice del
pensiero: "le associazioni che ne nascono e ne scaturiscono sono
incontrollate e talvolta imprevedibili", dice ancora Francesca (corsivo
mio). Il che a pensarci bene assomiglia straordinariamente ad almeno due
cosette fondamentali: alla riemergenza del ricordo (che però in
Marica non è mera rammemorazione, ma - ancora - dettaglio da cui partire
per approdare ad un altrove); e, contemporaneamente con la memoria (anche
Bergson ce lo ricorda), alla marcatura del tempo (in questi versi
molto presente, come nota ancora Fantato), del tempo vissuto, di quello che
sfugge al vuoto, marcatura di cui il dettaglio (o magari una piccola
epifania) è segno e significato, pietra di confine, elemento riassociativo, ricostitutivo - scrive Francesca - della
"concordanza di tutti i brandelli", ovvero di una presenza, di un essere
nel mondo (Heidegger mi scuserà). Ricordo, tempo, esperienza,
micromanifestazioni sono tutti soggetti/oggetti centripeti nella poesia di
Francesca, ed elementi di forza. Forse è per questo che la sezione che mi è
parsa forse (ma non troppo) più debole è la terza, Interstiziale fra elementi uguali o analoghi, nella quale il
protagonista-tempo è il presente, un presente i cui segnali, ipotizzo, non sono per l'autrice ancora
del tutto leggibili, comprensibili, collocati nell'io. Marica è ben consapevole di
tutto questo e di altro, basta leggere le sue risposte alle domande postele
da Fantato, a cui tutto sommato c'è poco da aggiungere. Come opera prima
(chi lo direbbe?) non c'è davvero male. Aspettiamo il seguito con
interesse. (g.cerrai)
Continua a leggere "Francesca Marica - Concordanze e approssimazioni"
Giovedì, 14 novembre 2019
 Fabio Prestifilippo - Abitare la traccia - Lietocolle &
Pordenonelegge, Collana gialla, 2019
Quinta proposta nella Collana gialla nata dalla collaborazione tra
Camelliti e Pordenonelegge, questo di Prestifilippo è libriccino di una
quarantina di poesie o poco più, in genere brevi e brevissime come si
conviene a delle tracce, e di veloce lettura. Sì, tracce, ovvero particole
di quella che sembra essere una storia, almeno nel senso di serie di fatti,
non necessariamente in sequenza, che in qualche modo sono diventati
poeticamente memorabili, o meglio registrabili. La quale storia è
contraddittoriamente - e forse giocoforza - divisa tra sviluppo e
frammentazione, tra fili spezzati e fili riannodati di indizi che ti
rimandano al "fatto", tra analisi del particolare e proiezione verso
l'universale, verso considerazioni che (e potrebbe essere altrimenti?)
riguardano un po' tutti. L'esergo di Carver potrebbe comodamente rimandarci
ad un minimalismo per così dire originario. Non è questo il punto ma se un
esergo sta ad indicare una qualche affinità, allora questo libro
rappresenta uno sforzo di ricordare "qualcosa" partendo dalla constatazione
che è difficile farlo ("Stai cercando, col sole in faccia./ Ma non
ricordi./ Onestamente non ricordi", dice Carver) e forse dalla
consapevolezza che la memoria è solo una serie di parziali affioramenti,
scampati magari all'azione di quell'oblio selettivo o di quello profondo di
cui parla P. Ricoeur. Una memoria che in qualche modo va riposseduta, come
una casa per troppo tempo disabitata. Non è un caso che, fin dal titolo, si
parli più volte di "abitare" (anche per via passiva, abitati dall'odio, dal
nulla), abitare queste tracce, abitare il sesso, un luogo, la morte e anche
disabitare (riferito in questo caso solo all'umano, nel senso di una
incapacità o incompletezza). Ma memoria di che?, ci chiediamo. In teoria
dovrebbe soccorrerci la poesia di apertura, una specie di singolare
esplicitazione di intenti, nella quale si spiega che "l’eroe scintillante è
Saul / il luogo in cui ucciderà suo padre / sono le pagine di un libro, /
il titolo del libro è abitare la traccia". Dunque dovremmo partire
da questa indicazione piuttosto perentoria, per quanto il riferimento a
Saul, se restiamo a vecchi ricordi biblici o alfieriani, ci rimanga oscuro.
E però la domanda - che è una domanda valida, almeno finché un qualche
significato o una "risposta", non necessariamente esplicita, non emerga -
resta. Perché la storia c'è, deve esserci, e in effetti il secondo testo
del libro ci dice che "si comincia da qui // ma di tutte le storie sommerse
/ nel guano della memoria / questa è di gran lunga / la più infame".
Tuttavia i passi successivi ci portano ad una serie di testi in cui
francamente è difficile trovare indizi di questo parricidio, per quanto
metaforico, o almeno tracce, sentori, macchie, immagini latenti di un
dramma che l'aggettivo "infame", cosi assoluto, affaccia. Diciamo che c'è
un salto notevole tra il preambolo dei testi citati e lo sviluppo nei
susseguenti, ed è un problema, per così dire, di coerenza narrativa (visto
che è proprio Prestifilippo a parlare di "storie", anzi circa a metà del
libro scrive "e giunti al luogo mediano / della vicenda / non rimane per
noi..."). E' questo, a mio avviso, il punto critico principale del libro,
che non ha niente a che vedere con la capacità di linguaggio del poeta, la
sua abilità prosodica. E' semmai, del libro, uno di quei punti deboli che
l'autore si autoinfligge, perché mi pare sia alla ricerca di una
rarefazione della scrittura, di un sottintendere o accennare che di per sé
non è detto garantisca la polisemia tipica del linguaggio poetico o una
poeticità patente, non è detto che "trasmetta" qualcosa di condivisibile al
lettore, rischia in altre parole di "parlare per sé", là dove esprime una
eco che risuona quasi solo nella memoria del poeta. Ne sono un esempio, per
quanto parziale, gli "io" e i "tu" (e anche i "noi"), siano essi espliciti
oppure impliciti nelle forme verbali, che si rinvengono nei testi e che
realizzano un dialogismo ambiguo (non solo l'ambiguità novecentesca del tu
come alias dell'io) soprattutto perché la necessità (dell'autore) di
mantenersi in un limbo indefinito, allusivo - e quindi crepuscolare - , o
parasimbolico provoca nel lettore una indecidibilità soggettiva, una
difficoltà di collocazione all'interno della "storia". In altre parole essi
spesso non hanno una funzione deittica vera, cioè non "collocano" in una
dimensione, in un contesto situazionale, proprio per le ragioni appena
dette. Un esempio in tal senso lo si trova subito nel quinto testo della
raccolta ("Il corpo lo sentivi / come il ricordo di un stanza vuota, /
fresca di gesso, bianca...") dove appare improvvisa una seconda persona
singolare tanto "ambigua" quanto irrelata rispetto alle "informazioni" (es.
corpo di chi?) che il testo stesso o quelli precedenti ci forniscono.
Diciamo che questi mi sembrano essere i punti critici principali del libro,
alcuni aspetti dei quali forse avrebbero potuto essere risolti con un buon
editing, tenendo in debito conto che, come ho già detto, la giusta
ispirazione di Prestifilippo potrebbe meglio incontrarsi con l'abilità di
versificatore che certo possiede (un esempio: Le isole di Langerhans, l'ultima poesia del libro, dove lirismo, adesione alla realtà e coinvolgimento emotivo sono di un altro livello). Punti critici che comunque, occorre
rilevarlo, sono interessanti in quanto hanno un loro carattere comune e
condiviso con diversa poesia attuale, sono insomma emblematici da una parte
di una maniera un po' rattenuta di porsi nei confronti dell'esperienza
personale tuttavia vista e sentita come "esemplare", dall'altra di un
atteggiamento nei confronti di una scrittura forse troppo sottintesa,
depotenziata, un po' frenata, come alla ricerca senza rischi di un'aura di
immediata riconoscibilità poetica. (g. cerrai)
Continua a leggere "Fabio Prestifilippo - Abitare la traccia"
Venerdì, 8 novembre 2019
 In uscita un'altra delle "pensate" di quel gruppo di scapestrati creativi che va sotto il nome di [dia*foria. Si tratta del primo numero di una nuova rivista (termine già di per sé fuorviante, si tratta piuttosto di un oggetto artistico-letterario organico e articolato in tre fascicoli) dal titolo Container - osservatorio intermodale, che ha come obbiettivo, come si legge nella presentazione, "una riflessione pertinace e continua sulle strutture della complessità". Progetto quanto mai ambizioso e interessante, a cui ho avuto il piacere di partecipare con alcune mie traduzioni di un poeta francese, Jean-Pierre Duprey. Leggiamo dall'editoriale:
«Il nome fa riferimento al trasporto intermodale dei prodotti umani di ogni natura, sostanza stessa del nostro mondo: nel container convivono mercanzie di diversa specie, in una somma di cose, tracce e messaggi che costituiscono pensiero e storia in movimento. Il transito e lo scambio di oggetti e parole da sempre determina la realtà attraverso una pluralità di apporti, cioè l’incessante gioco di emissione e ricezione multigenetica e multilingue.
Del concetto di “container” dunque non ci interessano l’indistinzione dei materiali, cioè la congerie in sé, quanto piuttosto due fenomeni che da quell’indistinzione possono procedere: il differenziamento di organismi anche molto diversi tra loro, e la loro possibile ibridazione. Da questa particolare specola il nostro obiettivo è puntato sull’effrazione del codice dominante in percorsi divergenti, capaci di slogare i canoni moltiplicandoli attraverso un atto continuo di sperimentazione, intesa questa come attitudine esplorativa che si rinnova continuamente in una gnoseologia complessa.»
Altre notizie, tra cui l'indice del numero, note tecniche e informazioni circa il reperimento della rivista, le trovate QUI.
Domenica, 27 ottobre 2019
 Elena Salibra - Dalla parte dei vivi, Poesie 2004-2014 - Manni
2019 (pag. 336, Euro 28.00)
Il libro di un decennio, tutta l'opera poetica di Elena Salibra, tutti i
cinque libri pubblicati dall'anno di esordio (Vers.es, 2004), fino
a quello della sua prematura scomparsa (Nordiche, 2014), passando
per Sulla via di Genoard (2007), Il martirio di Ortigia
(2010), La svista (2011), alcuni dei quali hanno vinto premi
importanti. Allieva di Lanfranco Caretti e Cesare Garboli, studiosa di
Gozzano, Pascoli, Carducci, Quasimodo nonché dell'amatissimo Attilio
Bertolucci (ma di mille eco sono piene le sue poesie), Elena Salibra era
docente di Letteratura italiana contemporanea all'Università di Pisa, dove
viveva con la famiglia fin dal 1972.
Difficile anche solo estrarre qualche testo esemplare da questa raccolta,
perché sono tutti di alto livello e perché si rischia di dare un'idea fin
troppo approssimativa dello sviluppo nel tempo, del suo trasformarsi anche
in seguito agli accidenti della vita, e insieme della costante qualità
della poesia di Salibra. Ma è certo (ce ne rendiamo conto leggendo il
libro) che l'esordio, nel 2004, non fu affatto da "esordiente", come nota
Marco Santagata nella breve ma affettuosa prefazione. Non solo perché, su
incoraggiamento di Cesare Garboli, alcuni testi poi confluiti in Vers.es erano già usciti nel 2001 su "Paragone", ma soprattutto
perché la pubblicazione in volume avvenne quando Salibra "aveva maturato la
convinzione che la sua poesia da confessione privata si fosse trasformata
in autonomo oggetto estetico" (Santagata). Lo sviluppo successivo della
poesia di Salibra parte da lì, è denso e accelerato, compresso in quei
dieci anni chiusi poi dalla malattia e dalla morte. Sviluppo che non è
soltanto stilistico, con tratti che variano nel tempo anche in relazione (e
non potrebbe essere diversamente) ai contenuti, e che possono essere
riassunti in un iniziale e successivo ricorso ad una "poesia dell'occhio"
(Mario Gerolamo Mossa, nella nota del curatore) in cui è importante e
cospicua "la semantizzazione dello spazio poetico" con la punteggiatura
rarefatta, gli spazi bianchi, le parentesi, la minuscolizzazione delle
parole, i trattini, che vanno di pari passo con la terminologia tecnica e
specialistica, il prestito linguistico, la citazione tratta dal vasto
bagaglio culturale dell'autrice. Un approccio che è anche visivamente
evidente alla lettura di almeno le prime tre raccolte. Ma lo sviluppo
dell'opera è anche una parabola di vita, segnata dalla svolta drammatica
della malattia ed evidente a partire da La svista, del 2011. Le
questioni stilistiche, e in qualche modo la ricerca che le contrassegnava,
perdono di consistenza, forse di importanza, di fronte ad una ben diversa
"ricerca" di senso. Sembra una ovvietà, ma si tratta semmai di dare alla
poesia, mai abbandonata fino all'ultimo, una nuova voce e forse una nuova
responsabilità di un dire più privato e profondo, ma che non "confessa",
piuttosto elabora il tempo nella sua tragica finitezza, anche nelle
"cosette" (Cosette ospedaliere è una sezione di Nordiche,
ed è impossibile non richiamare, almeno nel titolo, Amelia Rosselli). Ora
l'unico espediente "per l'occhio" è rimasto il "corsivo del ricordo", come
annota il curatore, al binomio vita e scrittura e al 'doppio tavolo' del
critico e del poeta si sovrappone "l'opposizione-coincidenza tra malattia e
poesia", vi si innesta uno stretto rapporto dialogico tra 'io' e 'tu' che
non è solo quello tipicamente ambiguo di tanta poesia novecentesca, ma
soprattutto (ancora Mossa) quello tra "il razionalismo del tu e le
trasfigurazioni proprie dell' io". L'ultima di Salibra è una "poesia per
l'orecchio", in cui agisce "non più e non solo il presente scarnificato,
disilluso nel suo statuto di eternità dall'incombere di un futuro
imprevedibile, ma il tentativo di inscrivere la propria esperienza nel
divenire ciclico della memoria, l'accettazione del proprio destino
nonostante l'approssimarsi della fine". Nordiche rappresentano la
fine di un viaggio, verso un Nord (la Svezia) che era non solo la speranza
di una cura, forse di una salvezza, ma anche una metaforica terra
dell'addio. (n. red. a cura di g. cerrai)
Segnalo, per il loro interesse, un ricordo di Massimo Bacigalupo degli
scambi intercorsi con E.S. a proposito di traduzioni di W. Stevens (
QUI
); e il dossier dedicato a E.S. dalla rivista on line "Poesia e
conoscenza", fondata da D. Bisutti, nel n.1 (
QUI
), con estratti da Nordiche e scritti di M. Bacigalupo, M. Cucchi
e F. Raimund.
Continua a leggere "Elena Salibra - Dalla parte dei vivi"
Sabato, 19 ottobre 2019
Non vogliono morire questi canneti
di Andrea Galgano (Capire Edizioni, 20 19)
Le poesie di Andrea Galgano sono tappe di vita e fanno parte esse stesse di
un sentiero organico vivente che consente al lettore di addentrarsi in
luoghi e circostanze terrestri vorticando nella generosa e imprevista
quotidianità naturale. Gli spazi materiali che abitiamo parlano di noi, di
ogni essere umano ed è sorprendente quanto sia forte il rapporto che le
persone hanno con la società e le cose. I territori, infatti, hanno il compito di incanalare l’energia psichica delle proprie
creature verso finalità che danno senso alla vita plasmando, a volte,
l’identità di chi le usa. In essi si annidano le esperienze umane, i
dolori, i ricordi. Le pagine della raccolta poetica Non vogliono morire questi canneti suggestionano l’animo di chi
legge, perché capaci di unire in profondità l’immagine al pensiero. Una
testimonianza sacra che, attraverso un linguaggio autentico e raffinato,
parte dal basso, dai vicoli, dalla terra più abbandonata e/o da luoghi
evoluti e conosciuti, fino a raggiungere verticalmente il sublime del
creato. Una dichiarazione poetica di resistenza, dunque, grazie al
rinnovamento interiore dell’uomo e alla forte relazione con la storia e con
la memoria del mondo. (rita pacilio)
Continua a leggere "Andrea Galgano - Non vogliono morire questi canneti (nota di Rita Pacilio)"
Domenica, 13 ottobre 2019
Gianluca D'Andrea - Forme del tempo (Letture 2016-2018) -
Arcipelago Itaca 2019
Pubblico qui alcuni brani tratti dall'ultimo lavoro di Gianluca D'Andrea, un libro singolare e assai godibile in
cui l'autore collaziona versi e brani in prosa, in forma di particolare
prosimetro. Particolare quanto può esserlo una personalissima wunderkammer, nella quale non tutti i versi sono suoi ma quelli
che non lo sono, spesso sotto forma di citazioni di varia misura, fungono
da spunto, ossatura, sostegno di "meraviglia" per le riflessioni - in forma
di critica, in forma di arte, in forma di nuovi versi - con cui "si tenta
una ricognizione sul presente, ma non solo, che prende avvio dalle
esperienze di lettura per incrociarsi con altre esperienze, assolutamente
personali, dell'autore" (D'andrea nella Premessa minima). E dove
comunque - forse il tratto più interessante - "indistinto è il margine che
dovrebbe separare il soggetto della percezione dalla realtà percepita e
dagli strumenti che consentono l'accesso al contesto". Un "margine
sfumato", anche graficamente, che caratterizza al lettore questo libro come
unitario pure nei "prestiti", che appaiono come assimilati, divorati quali
elementi dialettici forti dalla riflessione stessa di D'Andrea. Che non ha
nulla di aforistico o frammentario, per quanto il frammento sia un genere
nobilissimo, ma che esercita semmai una raffinata arte del leggere pensoso e
appassionato (o del vedere, qui si parla anche di cinema, ma in modo
alquanto inaspettato), lavorando soprattutto sulla profondità dei concetti
che si sviluppano da quegli spunti, sulle idee anche apparentemente
collaterali o trasversali (e quindi di una certa dimensione filosofica,
rizomatosa) che da quella riflessione scaturiscono. La forma migliore di
critica, perfino quando si scrive di sé, del proprio lavoro o semplicemente
di quanta influenza la scrittura abbia o abbia avuto nella propria vita. Ne
esce un libro che per così dire non si chiude, non si chiude al lettore,
che da quasi ognuna delle 140 pagine può trarre spunti e suggestioni preziose da
approfondire ulteriormente. (g. cerrai)
Continua a leggere "Gianluca D'Andrea - Forme del tempo (letture 2016 - 2018)"
Domenica, 6 ottobre 2019
Sonia Lambertini - perlamara - Marco Saya Edizioni, 2019
La perla è bellezza generata dall'intrusione, è difesa e tentativo di
espulsione dell'estraneo. E', alla fine, inclusione in sé, accettazione a
certe condizioni, come quella di ridurre l'estraneo a presenza incastonata.
E' su questo simbolo che Sonia Lambertini costruisce il suo libro. Che sia
amarezza, anche, cioè un sentimento non risolutore ma che accompagna una
memoria dolente, questo va da sé. E in genere è quella che va a finire
nella poesia, più del dolore medesimo. Con l'esito, lo sappiamo, di elegia
e compianto, roba rischiosissima da mettere in versi.
Ma sulla sua vicenda, su quel qualcosa che ha percosso il suo corpo, e che
ignoro ma che è manifesto, Sonia costruisce una raccolta (breve e di testi
brevi) di grande equilibrio e, direi, di una notevole raffinatezza. Se la
leggerezza è un valore (non sempre lo è, lasciamo in pace Calvino), qui lo
è alla maniera di quei tagli che sulle prime non si sentono, poi fanno
male. Già dicendo questo mi rendo conto che forse si cede ad una
impressione anch'essa emotiva e di difficile argomentazione. Meglio andare
al sodo. Cominciando magari dalla considerazione, questa sì reale, che in
questi testi la leggerezza e la brevità sono inversamente proporzionali al
raggiungimento del senso, alla sua felice compiutezza. Non sono necessarie
tante parole, a Sonia, come se tutta la complessità di quanto è passato
fosse già decantata, anzi sublimata. Deve averci pensato parecchio a cosa e
come scrivere. Deve aver lavorato parecchio a sottrarre. C'è nel dire
questo anche un raffronto, una misura con quanto ho letto e scritto a
proposito del suo precedente lavoro del 2016, Danzeranno gli insetti, stesso editore (v.
QUI
), dove i testi avevano certo un diverso sviluppo, forse la necessità di
più fiato, forse perché i temi (la morte, il distacco) erano più difficili
da incastonare con quella capacità di dire multa paucis, qui
brillante. Lì il confronto del resto era con una angoscia fondamentale
perché riferita al destino di tutti, ma in qualche modo posticipata,
rimandata ad un futuro certo e tuttavia inconoscibile, prefigurato da uno
"scivolamento continuo nelle tenebre della nullificazione" (Mario Fresa).
Qui non c'è prefigurazione di quanto avverrà, è già accaduto, la
riflessione è sui segni del corpo, la poesia è eleborazione dell'evento,
inteso come crisi e come avvertimento, e come tale va, diciamo
così, risemantizzato nella sua concretezza, bisogna dargli le giuste
parole. Non è strano, né contraddittorio, che queste siano poche,
essenziali, legate da fili sottili a volte non subito annodabili ma che
esistono, costituiscono elementi connettivi di quel senso. Sono tra questi,
ad esempio, tutti i termini che rientrano nel campo semantico del corpo. Ma
il corpo di cui parla Sonia, e le sono grato di questo, non è il corpo
feticcio o il corpo vessillo di battaglia di una parte della poesia
femminile, e soprattutto non è topos o topografia di sé stesso, e
questo perché ogni sua parte nominata non è "cosa" ma, come ho accennato,
"segno" e linguaggio, veicolo espressivo e relazione col mondo. Così bocca,
lingua, ossa, ventre, nelle loro reiterazioni da un testo all'altro (e a
questo proposito aggiungo che pur brevi queste poesie hanno bisogno,
davvero, di essere lette in sequenza), ed anche altri "oggetti" simbolici
che sul corpo si insediano, quasi organicamente, metamorfizzano in esso
come buchi, becchi, ali, ed anche un cuore citato pochissimo ma per così
dire "mediale", cioè risimbolizzato come non solo anima non solo sangue;
insomma per me, parlo di me lettore, sono segni assai indicativi, mi danno
l'impressione di non essere impersonali, di non essere puro soma né sole
parole, ma, diciamo, "punti di ascolto" ("c'è un buco a forma di peccato
//un vuoto esilio, suono assoluto"), o di visione, come gli occhi, "sotto
sale", a "un centimetro di terra vuoto" (sì, c'è spesso questo vuoto, vuoto
di memoria, vuoto da anossia ecc.). E poi, certo, altri simboli, quelli che
rimandano agli uccelli, sopra accennati, un naso-becco per "setacciare le
sementi / setacciare il mio embrione", come un organo esplorativo (mi viene
in mente l'airone di Porta) che rimanda a capacità conoscitive "naturali",
ma anche a un rapporto basico, quasi animale, col dolore, con la ferita.
Con quel taglio, forse, più volte evocato: "tagliatemi le mani, la corolla
// tagliate i ponti, la coda del serpente / le antenne pettinate della
bella di notte"; "non ricordo nulla dei rammendi / dei miei ritagli, solo
pause / ritmi irregolari..."; "nel campo dei fusti recisi, immaginaria //
avvolgo piedi e punte di spalla, copro il capo / di lino bianco..."). Poi
c'è altro, naturalmente, come la memoria, almeno un paio di volte
assimilata ad un guscio d'uovo, forse qualcosa di fragile che si è rotto e
che mostra un vuoto inquietante, forse proprio un elemento di realtà, come
riprendersi vuota da un trauma o da un sonno chimico. Ma forse serve poco
analizzare tutto questo, e altre cose che tralasciamo. Mi pare più
interessante nella poesia di Lambertini apprezzare la disposizione di
questi elementi, la loro organizzazione prosodica per intenderci, la loro
informazione (il dato) e la loro suggestione/ connotazione, e un certo senso di sospensione, in qualche raro caso anche sintattica, che
rappresenta bene la materia stessa, il tema "amaro" e irrisolto di questa
raccolta. Nella quale, in riferimento a quanto afferma Elio Grasso in una
introduzione che peraltro aiuta poco il lettore, non trovo affatto quella
"controversia formale (che) viene risolta nella sua brevità, da leggersi
come prima qualità della sperimentazione". Al contrario, mi pare che a
Sonia non debba essere accreditato, nemmeno come qualità, alcun
sperimentalismo, se non quello della ricerca di uno stile del tutto
personale che aderisca alla sua sentita verità. (g. cerrai)
Continua a leggere "Sonia Lambertini - Perlamara"
Martedì, 1 ottobre 2019
 Flavio Ferraro - La luce immutabile - La camera verde, 2019
Ferraro, ci dice una nota biografica, "da diversi anni si dedica allo
studio delle dottrine metafisiche, con particolare attenzione al Vedānta e
al Sufismo". Anche se ho letto questa nota solo all'ultimo, non ne avrei
dubitato. In effetti questa raccolta, una sessantina di poesie quasi tutte
brevi, è intrisa in ogni suo verso di intensa spiritualità, o quanto meno
della ricerca di essa, una specie di costante riflessione su quello che il
brano in esergo ci dice essere "sedimenti, tracce / incandescenti: guarda /
come scorrono...". Epigramma programma, già in prima battuta eracliteo, da
una parte; dall'altra indiziario di un atteggiamento intellettuale che si
riflette invariabilmente sul modo di Ferraro di fare poesia. Un po' perché
i suo studi sembrano essere qui fonte ispirativa esclusiva, come pensieri
messi in poesia passandoli per un filtro spiritualistico (un po' meno e e in maniera differente nel suo libro precedente La direzione del tramonto, Oèdipus 2013, che mi pare migliore e
nel quale una visione spirituale delle cose mantiene un qualche suo
contatto col "terreno"). Ed anche perché, in relazione alla materia, quella
di Ferraro è una poesia che tende, propositivamente, a porsi fuori dal
tempo, anzi dalla modernità. Da questo punto di vista Ferraro è
perfettamente consapevole della lingua e dello stile che vuole usare,
cosciente del fatto che essi non possono essere troppo distanti dalla
materia che rappresentano, e li usa bene, con una notevole maestria. Non è
quindi infrequente trovare in questi versi qualcosa di arcaico, anche come
scelta lessicale qualche volta ("Lunari, più nessuno vi ascolta / a ben
altre fole intento il volgo" - e be', qui c'è anche un po' di Leopardi;
e poi slarga, inverare, smemori, ascoso
, leggiadra), ma soprattutto come stile complessivo, come -
diciamo - tonalità del dettato, come stile oratorio/retorico (nel senso
"buono" del termine). C'è sì in sottofondo questa spiritualità che si
diceva, una spiritualità sincretistica (vi troviamo, per lo più solo
citati, Shiva, i riti misterici di Eleusi, l'evangelica Porta stretta, lo
Spirito, ecc.) e "quieta", poco incline al dubbio, all'ipotesi, alla
domanda esistenziale, senza particolari angosce (certo mica necessarie)
riguardo alla realtà dell'umano (l'inquietudine maggiore mi pare relativa a una certa impermanenza illusoria delle cose - distinguo anche, a pag. 68, un vago richiamo al Montale di Forse un mattino andando in un'aria di vetro). Il confronto infatti con queste dimensioni
spirituali appare in questi versi essere non tanto quello "privato"
dell'autore (cioè di chi espone qualcosa di davvero suo di fronte a questa
trascendenza, mettendosi in gioco), quanto piuttosto quello di chi si pone
sulla riva ad osservare l'eracliteo fiume di "sedimenti" e "tracce" che
scorre, per poi farsene mediatore e interprete privilegiato, come una sorta
di pizia. Mi pare esito naturale che ne derivi quindi una poetica del
frammento, pur tuttavia lucido, trasparente, leggero, e in sé conchiuso. Ed
anche collateralmente, ma non sempre, l'impressione di un tono a volte
assertivo, a volte aforistico/aulico, che tende a trasmettere al lettore il
senso di una raggiunta certezza o supposta tale. Ne sono un esempio le
forme deittiche ed esortative (in qualche caso anche autoriferite, certo),
come "vedi", "lo sai", "possibile che non vediate?", "sì, ora sapete",
"sappi", "lo so", "sappiate"; od anche "sentenze" finali (come quelle, per
intenderci, che si trovano nell' I Qing o in certi koan) come "la
meta è l'Origine", oppure "non ha porte il tempio - ora lo sai - abbandona
ogni sentiero". Insomma una poesia ermetica, non nel senso dell'ermetismo europeo novecentesco con le sue pur gloriose manifestazioni, ma in quello di Ermete Trismegisto, qui citato. L'impressione complessiva che giunge infine al lettore (o almeno a
me) è di essere tenuto un po' fuori dalle segrete stanze, sulla soglia di queste
"emergenze" di pensiero di cui si ignora la scintilla, l'origine, e di cui
alla fine possiamo ammirare quasi soltanto la cristallina struttura,
attraversata da quella luce immutabile. Che forse, purtroppo, non ci appartiene. (g. cerrai)
Continua a leggere "Flavio Ferraro - La luce immutabile"
Martedì, 17 settembre 2019
Riccardo Socci è stato tra i segnalati nella sezione C (poesie singole inedite) dell'edizione 2019 d el Premio Bologna in Lettere. Pubblico qui, insieme alle poesie presentate, la nota critica che come membro di giuria mi sono incaricato di scrivere per l'occasione. La nota, in ogni caso, va considerata in merito ai soli testi presentati al Premio. Lo dico perché, conoscendolo, so che ha ben altra tela da tessere.
Riccardo Socci - Pisa / Firenze
Motivazione segnalazione Premio Bologna in Lettere sez. C
Riccardo Socci, o dello spettatore casuale. Potrebbe essere questa
l'impressione che si trae dalla lettura dei testi presentati al premio. Una
trinità di quadri oggetto di osservazione, alcuni reali, altri immaginati.
Uno spettatore che getta uno sguardo educato su ciascuno di essi, cerca di
inserirsi con più o meno discrezione nella scena. Non come personaggio ma
come un deus ex machina privo di poteri, eccetto forse quello di trarre da
ciò che vede qualche ammonimento, ma nessun auspicio. Forse nemmeno per sé.
La quête, la ricerca, appare essere in effetti quella di una
qualche corrispondenza tra dentro e fuori, tra mondo sensibile ma
accidentale e mente individuale. Una corrispondenza che Socci tiene per
feconda, cioè suscettibile di materializzarsi in versi, di trovare una
veste poetica, ovvero di acquisirne uno statuto d'elezione. C'è una specie
di timida convinzione, non del tutto infondata, del fatto che, per volontà
o per una fortunata convergenza di fatti, qualsiasi evento, proprio
nell'accezione di punto in un insieme di punti casuali, possa vestirsi di
poesia.
Il paesaggio, gli alberi ecc. sono per così dire pre-testi, proprio nel
senso che precedono una asserzione. Su di essi radicano pensieri che solo
lo statuto poetico fornisce di una il-logica corrispondenza e forse di una
affinità quasi platonica con quegli elementi del reale.
In effetti se guardo ad esempio il paesaggio e passo poi alla riflessione,
lo spostamento ha una sua conseguenza e una sua logica. Ha qualcosa di
fisico, è come un cristallino che varia la messa a fuoco. E' come quando lo
sguardo si perde, si fa opaco ed assente agli astanti, che infatti
invariabilmente chiedono "a cosa stai pensando?". Si affaccia qualcosa di
personale, non sempre un ricordo, a volte una proiezione di un desiderio,
una visione. Che a loro volta ammiccano e lasciano in sospeso qualcosa,
un'aria di incompiuto, di "mi piacerebbe", ma anche un che di narrativo,
come se ciascuna di queste poesie fosse l'inizio di una storia, un incipit.
Il seguito non ha luogo a procedere, non avrebbe senso perché il pre-testo
sembra non autorizzare l'autore ad una deviazione o ad una rivolta, in
altre parole ad uno "sviluppo". Perché quello che vuole cogliere Socci è un istante di presenza, una immanenza. Certo, potremmo
dire, citando Vittorio Sereni, che questi sono "mezzi, espedienti [...] con
cui intratteniamo il rapporto col reale", che sono "appigli sul flusso
dell'esistenza", e del resto - mutatis mutandis parecchio - chi è
che sfugge a certi "strumenti umani"? Tuttavia siamo in un altro tempo,
un'altra era, qui è come leggere un racconto minimalista (David Leavitt,
qualcun altro) posticipato, senza che il minimalismo c'entri gran che,
almeno nel senso di quel quid di ferocia quotidiana che dovrebbe portarsi
dietro, un senso di tragedia imminente. E forse è perché lo spettatore
Socci sceglie di mantenere un approccio non invadente nei confronti della
sua materia, anche il linguaggio sembra entrare in punta di piedi nella
scena, non eccede, sbircia l'evento da una posizione decentrata, e anche
questo "nascondino" sembra rivelare un carattere della poesia di Socci (e
forse dell'autore stesso). E tuttavia c'è nelle sue poesie una scia,
sebbene non del tutto chiara al lettore, che rimane nell'orecchio e che
piace pensare possa essere proprio l'aura di quella confusa tragedia. In
definitiva, quello che nella poesia di Socci elargisce un certo interesse
deriva proprio, mi sembra, da questa convergenza di osservazioni eterogenee
che essa stimola, questo suo non essere né apodittica né fatale. In altre
parole, questo suo essere rappresentativa di una poesia che non contesta i
suoi padri, non aspira a rivoluzioni, attende il suo farsi, la sua
"emergenza". In questo probabilmente più in sintonia col tempo di tante
altre. (g. cerrai)
Continua a leggere "Riccardo Socci - Tre poesie, più nota critica"
Martedì, 27 agosto 2019
 Alcune poesie tratte da 44 ottave, libro con cui Emilio Rentocchini ha raggiunto il traguardo (a suo dire invalicabile) dei 300 testi in questa forma chiusa e con questo suo dialetto sassuolese, con a fronte la versione italiana (le altre 256, sparse in diversi libri negli anni a partire dal 1994, sono ora raccolte in Lingua madre - Incontri, 2016).
Ho sentito più volte l'autore leggere i suoi componimenti, anzi cantare la sua musica. Che è fatta della sua voce, anzi della sua maniera cortese e generosa di porgere le parole a chi ascolta, ed è fatta del ritmo dell'endecasillabo, così connaturato al nostro orecchio e alla nostra memoria, e del suono che riempie di senso anche quei vuoti di significato che possano presentarsi a un foresto. Ricordando a questo proposito che quando legge in pubblico Rentocchini offre per prima, arricchita di osservazioni e ricordi, la versione in italiano. Solo dopo, con un'apparente fretta di dire, quella in dialetto. Rentocchini non "performa", come si dice oggi. Mette in scena un gioco di specchi, di rifrazioni, di rimandi fonici e culturali al cui centro c'è quasi sempre una intima meditazione - una "verità" - tutta sua e insieme perfettamente universale.
Come scrive lo stesso autore a proposito della sua scelta stilistica e formale, in uno scambio di mail con Maria Cristina Cabani contenuto nel libro: "Il limite era proprio questo: tentare di tenere all'interno di otto endecasillabi una goccia di vita che continuasse a muoversi, senza scivolare via o prosciugarsi. Ma praticando l'ottava mi accorgevo via via che l'angustia del metro offriva spazi insperati. E vivevo come in una continua scoperta speleologica. su un terreno carsico dove sprofondare equivaleva spesso a riemergere in un altrove luminoso. Al punto che non mi sono mai sentito cosi libero corne prigioniero dell'ottava. Uno dei momenti più commoventi e pieni della mia vita. Tanto più se pensavo che stavo usando la lingua degli avi, a cui per certi versi davo voce, una lingua atemporale, mitica. E in quanto mitica, in grado di reggere l'anacronismo della misura chiusa.". Che nel suo caso, come sottolinea Cabani, porta anche il segno di una duplicità: "L'ultima duplicità, in effetti, è quella fra l'aulico e il popolare (implicita, forse, ingannevolmente, nell'uso del dialetto)". Che non è solo dunque quella linguistica, doppiamente agita nelle letture pubbliche. Nella quale, come nota Alberto Bertoni nella nota conclusiva del libro, si crea "un effetto trascinante e vorticante, disposto in un implacabile crescendo emotivo, attraverso il quale la poesia esibisce la sua duplice natura di entità assieme orale e scritta, referenziale e musicale, sintattica e asintattica, logico-narrativa e schizomorfa", e dove "paradossale è che tocchi alla lingua 'popolare' proprio una funzione di annichilimento del livello comunicativo, trasferito tutto al perfetto congegno poetico (e letterario) che si esprime in italiano e che non è affatto puramente 'informativo', perché si avvale di tecniche a loro volta pienamente e credibilmente poetiche". Da una parte quindi, quella dell'italiano, la narrazione; dall'altra, quella dialettale, "un'affabulazione accelerata e tutta nonsensical", in cui "a dominare sono gli effetti di significante, le allitterazioni, i parallelismi acustici, le impennate prosodiche, i bisticci o le armonie delle sillabe atone o accentate". Come sottolinea ancora Bertoni, "l'effetto sul pubblico (si badi, su ogni pubblico) è naturalmente trionfante". Dove, al di là dell'aggettivo entusiastico e affettuoso, mi pare debba intendersi l'esperienza gioiosa e piena che fornisce questa poesia - così somigliante all'autore, persona gentile e amabile con tutti quelli che lo vanno ad incontrare - anche ad un lettore solitario che segua il modesto consiglio di Rentocchini: "Penso che le mie ottave vadano lette, in silenzio. Ne basta una ogni tanto, 4 o 5 alla volta cominciano a essere parecchie".
(Emilio Rentocchini - 44 ottave - Book Editore, 2019)
Continua a leggere "Emilio Rentocchini - da 44 OTTAVE"
Mercoledì, 7 agosto 2019
" All we ever wanted was everything and everywhere”
Julian Charrière
(immagini tratte dalla mostra al Mambo di
Bologna)
“
Prima luce dell’alba, paradiso perduto, noci di cocco divenute ordigni
nucleari
Finzione nel cuore del Pacifico
Non siamo al di sotto, non al di sopra ma all’interno dell’oceano
Affondati dentro le acque per scrutare il sole atomico e oscuro
dell’isola
in mezzo a promesse infrante dove eravamo soliti fluttuare.”
Iroojrilik, (Video 2016)
Nelle isole Marshall, varie imbarcazioni militari furono portate
dall’esercito americano nell’atollo di Bikini per sperimentare diverse
bombe atomiche. Questa specie di flotta fantasma, giace al fondo del
Pacifico, là dove gli Stati Uniti avevano posto le loro basi logistiche per
testare gli ordigni nucleari. Lì furono deposte, lasciate all’erosione
lenta e inarrestabile dell’oceano al fondo delle acque insieme ai bunker
costruiti sull’isola per documentare i lanci atomici. Avamposti di una
fantomatica impronta coloniale, essi si ergono nella loro massa di cemento
estraneo come intrusioni violente e brutali sul territorio, in un rigurgito
di materia difficilmente assimilabile dal naturale processo di
rigenerazione.
Charrière filma tali strutture atomico-industriali al largo del Pacifico
insieme ai relitti depositati al fondo della laguna divorati dal tempo e
dalle maree. Le immagini originali scattate dalle immersioni sottomarine
evocano l’affiorare di una nuova Atlantide, riemersa dall’abisso come
l’ombra sommersa di una civiltà perduta.
La prima immagine che si imprima nitida ai nostri occhi dal video è questa
spiaggia arsa dalla calura incontenibile della crosta terrestre,
surriscaldata come se la terra fosse preda di un processo di graduale
auto-combustione, nella secchezza inumana della pietra divenuta roccia
carsica in assenza d’acqua e di vita. Un sole rosso infuocato e immobile,
semicoperto dalla densità nebulosa dell’atomica si erge sulla superficie
opaca della crosta terrestre.
La seconda immagine: le profondità marine. La vita scorre al di sotto,
attraverso forme infinitesimali, acquoree e indistinte dove fluttuano
molluschi, piante, alghe e anfibi d’acqua in un rifiorire di vita
semi-sommersa e rigogliosa nelle profondità del fondo marino. Una grande
corazza ferrosa e pesante simile al relitto del naufragio biblico domina
incrostata di muschi e alghe al centro di quell’immensità oceanica.
Rocciosa e gravida di scorie la costa a riva è sovrastata dalla grande nube
atomica, esplodente o a esplosione fissa. Costruzioni, blocchi di cemento
armato si ergono oltre la foresta amazzonica in piccoli squarci aperti
sulla spiaggia arsa in mezzo all’oceano. Tale luogo di una natura
primigenia e incontaminata diventa non-luogo violato dall’irruzione della
presenza umana, usurpato e devastato dalle scorie degli ordigni atomici. Un
sole rosso infuocato sovrasta la spiaggia granitica e solarizzata dopo la
grande esplosione.
I detriti pesanti sono al fondo, come una grande macchina da guerra o
sottomarino affondato e ricoperto di muschi e piante acquatiche. Inquadrata
a distanza ravvicinata un’immensa zolla di terra fluttua pesantemente tra
le acque; poi, sulla costa si snodano stormi, alberi e foreste pluviali,
palme e felci coralline ancora frammiste a cemento e buchi neri: una varco
in ferro intaglia uno squarcio oscuro sul blocco armato del bunker
americano.
Continua a leggere "Julian Charrière a Bologna, riflessioni sull'arte di Elisa Castagnoli"
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